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명합창지휘자(김영생)
기사작성 : 아브라함   2017-09-29 14:29

김규현의 합창지휘자들의 해석법 탐구

합창지휘자 김영생()

 

중앙대학교 음대 성악과 졸업

중앙대학교 대학원 합창지휘 전공 졸업

대우합창단원 역임

안양시립합창단 부지휘자 역임

군포시립여성합창단 지휘자 역임

2회 부산세계합창올림픽 어린이부문 금메달 수상

중앙대학교, 국립교원대학교, 장로회신학대학 강사 역임

부천시립합창단, 부산시립소년소녀합창단 객원지휘 역임

) 안양시립소년소녀합창단 상임지휘자

전국시립소년소녀합창단연합회 회장

한국총합창연합회 선임이사

 

1. 어린이합창단을 오래 지휘했는데 성인과는 달리 어린이 합창단의 미학은 무엇일까요?

그리고 왜 어린이합창단 지휘자를 고집하십니까?

1) 어른들은 합창의 진척과 향상이 어느 선에서는 좀 정체되는 감이 있지만 정말 마음이 순 수한 아이들은 단체의 결속력 속에서 서로 음악 안에서 뭔가를 채울 수 있고, 문제 점을 고칠 수 있고, 변화가 가능하고, 무한한 가능성이 있고, 지도자에게 배운 대 로 성장하기에 정말 진정성 있게 가르치면 분명한 성과가 있다는 것이 어린이합창단의 장점이라 할 수 있습니다.

또한 지도자의 기대와 목표가 바른 열정 속에서 좋은 곡으로, 체계적으로 정확하게 가르 치면 멋지게 성장하고 성숙된 모습이 해마다 나타나며 그것이 연주를 통해 입증되 고, 무한한 가능성이 펼쳐지면서 보람과 성취감을 느끼게 됩니다.

2) 아이들이 많은 연주를 통해 도전하고 성취하고 합창을 이해하며, 졸업할 때쯤에는 한 사 회인으로 인간관계와 일에서 자신감과 자존감을 갖고 홀로 설 수 있는 독립된 모습을 본다든지, 합창단의 멋진 추억과 선생님에 대한 진정한 감사의 편지를 받을 때나 생각나 찾아 올 때 큰 보람을 느끼고 있어서 어린이합창단에 올인 하게 된 것 같습니다.

 

2. 연주회 성격에 따라서 선곡법이 다르겠지만 일반적으로 정기연주회를 기준해서 선곡은 어떻게 하십니까? 그리고 프로그램 안배는 어떤 기준으로 결정하는지 듣고 싶습니다.

1) 선곡에 앞서 현재 아이들의 시선과 수준(한계)과 눈높이와 가능성을 봅니다.

그리고, 아이들이 가치 있게 들을 만한 것을 작곡가가 얘기하고 있는가?

합창 단원 누구나 이것을 작곡한 대로 할 수 있는가?

전체 음역이 어린아이들이 소리를 잘 낼 수 있는 소리 안에서 잘 작곡되어 있는가?

이 곡을 노래함으로써 좋은 발성 습관을 개발할 수 있는가?

가사와 음악이 잘 결합되어 있는가? 이러한 점들을 고려하여 곡을 선정합니다.

2) 첫 스테이지는 동기부여가 되고 거기에서 한계를 넘어 도전하고 싶고 성취할만한 위대한 예술성 있는 곡을 선정하며, 관객들이 세계적인 노래와 문화에 참여하여 공감하며 충분 히 즐길 수 있는 곡을 연주합니다.

3) 두 번째 스테이지는 순수한 아이들이 겪고 있는 것을 미리 경험한 기성세대가 공감하여 과거와 현재와 미래를 같이 생각하며 열어가듯이 스토리텔링을 만들고, 교육적이고 서로 소통이 되는 대중적인 곡을 현대적인 편곡이나 메들리로 융합, 통합한 창의적인 곡으로 가사가 힐링이 되고 음악으로 하나 되는 감동 어린 곡들을 선정합니다.

4) 세 번째는 정기연주의 전체 테마와 섹션 테마 연주곡에 맞게 현대 인문학적인 접근과 현 실의 문제와 갈등, 애환을 같이하며 풀며 아름다운 세상을 구현하는 곡들을 정해 청중과 교감을 이루도록 짭니다. (예를 들면 3대가 같이 부르는 가족 음악회, 사제가 같이하는 따뜻한 울림과 동행, 학교에서 다른 성격들의 아이들을 이해하고 맞추며 함께 만들어가 는 곡, 학교의 미래 교육, 미래 직업을 제시하는 곡, 아이들의 마음속에 내재하는 다양한 감정의 표출들을 의인화한 것을 통해 서로를 깊이 알아가고 소통하는 음악 등 다양한 삶의 주제로 엮어가고 있습니다.)

5) 마지막으로 여기에 더불어 다양한 무대, 영상, 조명, 안무, 연출로 합창을 종합 예술화 시켜 지루하지 않고 청중에게 뭔가 영원히 남는 기억과 추억을 만들게 하는 치밀한 구 성을 구현하고 있습니다.

 

3. 선곡된 작품들을 어떻게 연구하는지 연구방법이나 그 연구과정을 알고 싶습니다.

 

1) 시대별, 역사적인 명곡들의 그 시대 연주기법은 연구한 사례와 논문들을 많이 참조하고 있고, 제가 직접 번역한 시대별 자료를 통해서도 가사와 형식, 양식, 음절의 강세, 리듬 의 특성, 강약, 템포, 감정, 선율의 강도, 화성의 밀도와 음색의 무게와 밝기의 특성을 프 레이징과 아티큘레이션과 함께 완전함과 자연스러움 사이를 고려하여 정합니다.

2) 그 다음 가장 좋은 합창 모델을 찾아 단원들에게 들려주고, 보여주고, 거기에 맞는 색깔 을 만들도록 발성연습을 기획합니다.

3) 일반적이고 다양한 스타일 곡들은 그 특색과 그 시대의 감정과 소리가 어떤 상태인지 내 면에 무엇을 가져야 마음의 동기를 불러일으키는지를 찾아내며 우리의 한과 정이 깃들 어 있는지, 따뜻한 노래인지, 슬픈 노래인지, 그것을 초월한 노래인지, 삶의 희노애락 인지, 도전적이고 활기차고 희망을 주는 노래인지, 번뜩이고 창의적인 아이디어와 가사 와 감정으로 곡을 풍성하게 만드는지 판단하여 소리를 결정합니다.

 

4. 작품 연구 과정에서 무엇을 집중적으로 보고 특히 어떤 점을 비중 있게 다루십니까?

 

1) 작품을 볼 때 얼마만큼 고도의 아름다움과 구성과 세련됨을 가지고 있고 연주에 효과적 인지 자세히 들어다봅니다. (차별성과 높은 동기부여)

2) 그리고 거기에서 악보를 볼 수 있는 아이들과 악보를 외우는 아이들과 연습 시간과 순 차적인 훈련의 정도, 숙달시킬 정도를 정하고 도전하고 끌어낼 수 있는 가치가 있는 지를 봅니다. (가치성과 효율성)

3) 그 다음 음악적인 중요성(하모니, 형식, 대위법, 선율, 구조)과 음악과 가사의 결합이 얼 마나 자연스럽게 연결되고 있는가, 훌륭한 가사인지 교육적 가사인지 보고 해석을 하고 뜻과 의도를 알아내 감성적, 표현적으로 재해석합니다. 어린이 합창 소리를 만들고 발 휘하는 데 적절한 조성인지, 아이들에게 전율을 느끼게 하는 화성의 강도와 밀도가 있는 지 확인하고 우주의 행성처럼 음들이 부딪칠 때마다 저항을 느끼도록 분리해서 화성 연 습을 시킵니다.

4) 마지막으로 음들을 가장 멋지게 낼 수 있는 가장 높은 피치, 발음 위치, 다양한 부위의 활성화된 호흡을 강조하고 멀리 전달되게 하고, 각 음의 소리 밝기와 무게를 정하고, 감 정과 에너지를 풍성하게 전달하도록 강조하고, 반복하고, 표출하게 합니다.

5. 리허설 테크닉을 듣고 싶습니다. 곡 연습 전에 발성 연습은 무엇을 가지고 어떻게 하며 곡 연습 시 특별히 비중을 두고 강조하는 점은 무엇인지 듣고 싶습니다.

 

1) 미국의 인디애나폴리스 소년소녀합창단, 아메리칸 보이스콰이어, 헝가리 칸테무스어린이 합창단, 핀란드 타피올라합창단의 발성교재를 사용하여 종합적으로 사용하고 있으며

2) 매 연습 시 몸을 충분히 풀고 기본이 되는 발성 연습하는 데 30분 정도 할애하고 있고, 일상적이고 똑같은 호흡이나 발성이 아닌 온몸과 정신과 마음을 하나로 통일하고 집중 하여 길을 만들고 달리도록 유연하고 활기차게 만듭니다.

3) 그날 연습하는 곡에 맞도록 같은 발성곡이라도 심층 분석하여 각 모음의 위치, 모든 모 음이 만나는 위치, 모음의 입체적인 모양과 결과 길이와 다음 음과의 라인 연결, 횡경막 과 모음 위에 입술과 혀를 이용한 자음 위치와 놓기, 호흡의 탄력과 압축 키우기, 리듬 의 분절과 업 다운 움직임 속에서 길이 차이점을 느끼며 노래하기, 음의 스트레칭이 필 요한 부분을 더욱 강조하며 곡에 적용하게 하여 곡 중간의 문제점이 나올 때마다 적용 하여 해결하도록 합니다.

4) 그래서 곡이 요구하는 소리를 위해 적절한 울림과 진동이 함께 어울려진 깨끗한 소리와 밝기와 무게를 정하며, 프레이징 라인, 아티큘레이션을 강조하며 소리의 강도와 화성의 밀도와 저항을 자연스럽게 만들어가게 하며 블렌딩과 밸런스를 맞춥니다.

5) 현대곡은 화성의 분석을 통해 협화음과 불협화음 시 각 음의 역할과 소리의 크기와 무 게, 밝기를 정하고 부가화음이 많은 경우 중심화음이 무엇인지 체크하고 거기에 다른 음 들이 거기에 맞춰 무게와 크기, 밝기를 맞추도록 가르칩니다.

6) 그래서 전체적으로 어떤 곡이라도 최종적으로 고층 빌딩이나 큰 성당건물처럼 만들지만 전체가 깨지지 않고 기울어지지 않는 범위에서 에너지와 소리와 감정을 채우도록 전심 전력하게 하여 어떤 공연장에서도 연주가 가능하게 만들도록 노력하고 있습니다.

 

6. 악보에 템포, 강약기호, 악상, agogic 등이 표시되어 있지 않을 경우 그 설정을 무엇을 보고 어떻게 하십니까? 기호가 있을 경우 그 지시한 기호를 얼마나 반영하는지 알고 싶습니다.

1) 연습장소와 연주장소를 염두에 두고 반주가 있든 없든 음향에 따라 전체 대형 간격 조절 과 파트별, 개인별 공간 활용을 충분히 해야 한다고 생각합니다.

2) 울림이 있는 공간인지 아닌지 판단하고 주어진 템포를 어느 정도 신축적으로 약간씩 당 기거나 늦춰서 조절합니다.

3) 개인의 호흡과 발성, 소리의 전달 능력을 먼저 해결하고 다이내믹 존과 강약, 템포를 조 절하며 오버하거나 빈약하지 않은 범위에서 곡이 가지고 풍성함을 다 끄집어 낼 수 있도록 노력합니다.

4) 합창은 대부분 가사가 있기에 악상이 인위적인 머리의 계산과 지시에 갇혀있지 않고 악 보에서 해방되도록 암기하고 가사와 사운드가 자신의 영혼을 발전시킬 때 악상들이 더 욱 멋지게 살아난다고 생각합니다. p는 부드러우면서도 얼마든지 에너지와 내용을 풍성 하게 만들 수 있고 f는 힘과 방향감과 라인과 프레이즈를 만들어 내도록 성취하도록 카 타르시스를 느끼고 일치감을 구현해야 한다고 생각합니다.

 

7. 해석을 할 때 가장 비중을 두고 음악을 만드는 것은 무엇이고 주관적 해석과 객관적 해석 그리고 두 해석을 절충한 해석 중 어느 것을 하는 편입니까?

1) 곡의 양식과 스타일과 칼라를 먼저 염두에 두고 두 가지 해석법을 나만의 것으로 만드는 방법을 택합니다. 더 중요한 것은 객관적이든지 주관적이든지 음악을 접근할 때 정직과 겸손으로 철저히 준비해야 다가갈 수 있다고 생각합니다. 곡을 선택할 때부터 해석, 연주 까지 머리에서부터 마음과 온몸으로 나타내도록 시간과 자신과의 싸움에서 철저해야 한 다고 봅니다.

2) 객관적인 해석과 연주는 크게 존중되어야 하고 교과서이고 기본입니다. 역사적이고 시대 적인 명곡들은 문헌과 연주한 자료를 통해 원전 연주에 가깝도록 충분히 연구되어야 한 다고 생각합니다. 그러나 다른 시대 속에 사는 우리는 그것을 우리의 정서와 습관과 연결 하고 고고한 음악에서 새로운 변화를 주고 뛰어 넘게 해야 합니다. 악보 기보법에는 없는 것을 찾아내고 새로운 아이디어로 연주기법에 가미해서 연주자의 마음을 끌어내도록 엄 연히 다르게 취급되어야 한다고 생각합니다.

3) 객관적인 연주기법에 더해져 주관적인 해석 연주는 원전 범위와 한계를 뛰어넘는 지휘자 의 음악을 대하는 지성과 직관과 해석, 음악에 대한 느낌과 그 느낌을 행동(표현)으로 전 하고 바꾸고 구사하는 능력, 템포 조절 능력, 더 좋고 높은 피치의 싸움과 조절, 더 멋진 칼라에 대한 확신, 리듬과 선율의 동력과 활기참, 감정과 다이내믹의 역동적인 조절, 그 마지막은 완전함과 자연스러움으로 끌어내도록 지휘자의 비팅과 제스처, 곡에 맞는 온몸 에 밴 다양한 표현의 고도의 훈련과 완숙함이 더 멋지게 청중에게 감동을 준다고 생각합 니다.

 

 

8. 연습 된 곡이 어떤 상태일 때 무대에 올리나요. 최고의 합창 음악은 어떻게 연주되고 어떻게 만든 음악일까요. 그 예를 들어 주시죠.

 

1) 합창은 그냥 지휘자가 계획하고 풀어갈 수 있는, 책임감 있는 조직의 시스템과 업무 분 담, 관계와 일에 대한 분명한 틀과 원칙 설정과 비전과 미션, 핵심가치와 핵심전략이 뒷받침되는 자발적이고 적극적인 책임과 협력이 있어야 한다고 생각합니다.

2) 다음은 최고(best)의 연주를 위한 지휘자의 역할은 현재 아이들이 가지고 있는 역량과 기대치를 지휘자가 열정을 가지고 할 수 있다는 믿음과 목표와 적절한 분담과 분배와 설정, 무반주와 반주 음악의 조합, 곡 전체가 주제와 스토리텔링이 있고 소통되며 목표 하는 연주에 필요한 부수적인 전체 음향, 조명, 무대 진행, 연주 간격과 적절한 배치, 무대 디자인, 영상, 자막 디자인, 연출, 안무와 합창 반주의 다양한 악기 사용 등을 통해 곡의 풍성함과 창의성을 극대화해야 한다고 생각합니다.

3) 마지막으로 최고의 수준을 결정하고 아이들이 보기에 현재에서 불가능하게 보이지만 지 휘자가 잘 준비되며 적극적으로 열정적으로 음악 만들기를 하며 각 곡에 큰 영감을 주 며 정확하고 분명히 가르쳐줄 때 아이들의 마음은 순수하기에 모든 것을 담을 수 있는 그릇으로 혹은 알라딘에서 호리병의 지니처럼 꿈을 펼치며 나오고 변모되고 무대에 서 거의 다 보여준다고 생각합니다.

4) 포기하지 않는 지휘자의 리더십, 지휘 제스처, 감각적으로 배우게 하고 발휘하게 하는 티칭은 곧 바로 진정성 있게 청중에게 고스란히 감동으로 전달되고 우레 같은 박수와 성원으로 환희에 이르게 된다고 생각합니다. 이 모든 것이 하나 되어 각고의 희 생과 최선의 노력과 많은 시간 투자가 최고의 연주에 다가간다고 생각합니다.

연습한 곡이 위의 조건들을 모두 갖추었다고 생각했을 때 곡을 무대에 올립니다.

 

9. 어린이 합창 소리는 성인과는 달리 두성 소리가 아름답습니다. 특별히 안양시립소년소녀합 창단만이 가지고 있는 칼라(색깔)라고 하면 무엇이고 추구하고 있는 합창 소리는 어떤 소리 인지 듣고 싶습니다.

 

다양한 소리 묘사가 가능하고, 밝고, 깨끗하고, 소리와 화음의 밀도와 강도가 높으며 시원하 게 뿜어내 청중의 가슴에 닿는 독특한 칼라가 있는 합창단이고, 유럽스타일 합창을 추구하 고 있는 합창단입니다.

10. 끝으로 자신에게 영향을 준 음악가는 누구이고 합창 지휘는 자신에게 어떤 의미를 갖고 있 는지요? 특히 어린이 합창단 지휘는 특별한 것 같습니다.

 

1) 먼저 어린이합창을 깨닫게 하시고 연출과 기획과 곡선정과 소리 만드는 것에 큰 영향을 주신 분은 윤학원 교수님이시고, 발성에 결함이 있고 문제가 있는 아이들을 정상 수준 으로 바꾸어 놓는 미국의 어린이합창 대부이신 헬렌 켐프 교수, 코다이 교수법과 순정율 인토네이션과 무반주의 헝가리 곡들을 세계로 알린 헝가리 칸테무스어린이합창단 지휘 자 데니스 써보에게서 많은 도전을 받았습니다. 그리고 다양한 안무, 연출로 유명한 스 페인의 어린이합창단의 지휘자들과 현재 함께하고 있는 동료 지휘자들로부터도 영감을 받고 있습니다.

2) 합창 지휘는 나의 젊음을 불태운 나의 전부이고 희로애락입니다. 그리고 우리 아이들과 함께하면서 아이들이 나의 부족한 면을 보게 하는 선생이 되었고, 합창의 각종 문제 해 결의 큰 참고서가 되었으며 합창의 참 의미와 아이들소리가 오래 전부터 합창소리를 만 드는 근원이고 뼈대였음을 알게 되었습니다.